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Historia del arte: Introducción al arte griego

Andrea Dehm | Valencia
Se puede decir que en el arte, desde sus inicios, hay una búsqueda de realismo. Esto significa que el arte es, claramente, realista, referencial y figurativo. Podemos verlo reflejado hasta el último tercio del siglo XIX. En los próximos artículos veremos esto reflejado.

Si miramos hacia atrás, podemos dividir el arte en épocas en las que predominaba el ethos (moral), en épocas en las que predominaba el phatos (sentimientos) y en épocas en las que convivían ambos, como en el Romanticismo. En el arte griego, como veremos en este bloque, predominaba el ethos, ya que buscaban la simetría y "lo racional".

Empezaremos hablando del gusto por la contemplación. Hasta entonces, el arte era funcional, tenía un porqué religioso o político. Sin embargo, el arte griego (influenciado por el arte cretense), tenía un porqué contemplativo. Esto se debe al avance del arte junto a la humanidad y sus diferentes niveles de vida. El arte griego existe gracias al tiempo de "no hacer nada". Un hombre del mesolítico no podía estar sentado junto a un arroyo contemplando el paisaje, debía protegerse y sobrevivir. Sin embargo, en la antigua Grecia, el ser humano podía detenerse y reflexionar. Esto lo condujo a la búsqueda de la belleza que, aunque ya vimos que apareció con los egipcios, en esta cultura se intensificó.

Podemos dividir el arte griego en tres etapas:
  • Arcaica (siglo VI aC.). Se caracterizaba por la búsqueda de lo simétrico y lo proporcional. Era un arte frontal, rígido (rozando lo pitagórico), en el que las esculturas tenían la mitad del cuerpo en equilibrio con la otra mitad.
  • Clásica, a partir del famoso Discóbolo, de Mirón (primera instantánea, una escultura cuyo movimiento se mantenía congelado). Le daban prioridad al posado y se acercaban más al realismo, alejándose así de la rigidez. Empezaban a trabajarse y a incluirse decorados para darle mayor naturalidad, que se conseguía con el llamado contraposto (un punto del cuerpo en tensión y el otro no). Esto reforzaba la curva praxiteriana.

    NOTA: ¿Alguna vez te has preguntado por qué en las esculturas representaban los miembros tan pequeños? Esto se debe a que Grecia era un pueblo que priorizaba "lo racional". Representar el sexo pequeño y las manos, por ejemplo, grandes, simbolizaba inteligencia. Para ellos, el sexo era una parte animal (no racional).

    En esta etapa también aparecieron los llamados frisos, pintura en relieve que realizaban en las cornisas para contar historias o educar. Esto es lo que podemos ver, todavía hoy, en las cúpulas o paredes de las iglesias: imágenes que cuentan historias, que educan.
  • Helenística: Se diferencia del período clásico por ser más idealista. Le restaron importancia a la técnica en cuanto a la naturalidad y empezaron a idealizar a las figuras que representaban. Se trata de un período barroco cargado de curva, de detalle y de búsqueda del concepto. Con la escultura de Laconte, por ejemplo, se representa el sufrimiento humano y se idealiza el dolor. 
Como hasta ahora, he organizado el bloque en dos partes: la arquitectura y la escultura (la veremos más detalladamente). En el próximo, veremos la arquitectura, no te la pierdas :)

Imagen: Discóbolo, de Mirón
#Bloque5ElArteGriego
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